[Indie pop：独立流行乐]
你可以把Indie Pop看作是一种更有旋律、更少吵杂以及更少焦虑的Indie Rock类型，它所折射的是地下音乐柔和、唯美的一面。Indie Pop的音乐更着重于声音的融洽、音乐的编排以及歌词的创作。在从Chamber Pop华美的管弦乐编曲到Twee Pop的简单直率中，Indie Pop所包含的一切，其焦点或者说这种音乐的侧重点一如都是歌曲多于声响。
尽管Indie Pop和Indie Rock都信奉朋克的D.I.Y（Do It Yourself）精神，但是前者反对朋克的虚无主义态度以及音乐上的声音碾磨处理。
注：独立流行乐可以是一个宽泛的概念，它可以囊括一大堆具有分明特点的有着独立流行气质的音乐，比如Chamber Pop、Dream Pop、Twee Pop&C86等等，但是由于这些音乐都有着各自的特别气质，所以它们又都自成一派，因此也就有相对应的音乐风格术语来更加确切地描述它们。那么从另一个角度来看，那些不足以形成一派的独立流行乐将会呈现出一种多样化的音乐气质，此时，我们可以把这些理解为狭义上的独立流行乐。注意，即使是狭义上的独立流行乐，藉着音乐自身的多变性以及融合性，它也不可以被一种表达所能具体地确切描述。
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[Indie electronica：独立电子,小电]
在这些所有独立广义的范围中，需要特别指出我们会经常碰到的一种音乐风格，它便是Indie Electronica（独立电子，或可俗称为“小电”）。实际上这种电子音乐还是应更多地归属于电子音乐的范畴，只是它同时将很多独立流行音乐（或独立摇滚乐）的元素融入到电声节奏中，也就是说你可以将这种音乐理解为Indie Pop（Rock）和Electronica的融合体，而至于乐队用什么样的电子风格演绎却也是不一而足的，其中有很多乐队都是以简约电子风格来演绎独立音乐，此时的Indie Electronica听上去就会很精细和微妙，而再加上电子乐中典型的剪切和拼贴技巧使得作品给人一种细碎而谨然的质地感觉，是有“小电”之俗称；但有些独立电子音乐却是有着更为浓厚的电子味道，这主要集中在那些并非采用简约电子演绎方式的乐队中，但是这些乐队音乐的曲式和架构仍然是独立流行（摇滚）音乐。
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[Jangle pop：和谐噪响流行乐]
Jangle Pop是80年代中期的一次美国后朋克音乐运动，它的主要标志是其音乐上回归于60年代的和谐吉他和流行旋律。R.E.M.的到来所激起的瞬间火花使得Jangle Pop也具有民谣摇滚的色彩，但是从根本上说它仍是一种基于流行乐的音乐类型。Jangle Pop不是主流音乐－乐队的歌词经常是故意地含糊其意、声响未经润色和具非职业性的特点，也就是说这种音乐具有do-it-yourself精神下的所有特点。
Jangle pop在1984至1987年间成为一支主要音乐力量－不仅是因为有着如R.E.M.和Let's Active这样的南方流行乐队、也不仅是因为有着西海岸颇具迷幻风格的Paisley Underground运动中的诸多乐队，而且还因为有着遍布中西部的大量乐队。80年代末，这种声音不再受到欢迎，主要也是因为人们听到了太多的没有各自特色的类似音乐。尽管R.E.M.努力过渡到主流－事实上，这支乐队成为了世界上最流行的乐队－其它很多的乐队（包括Uncle Green和Miracle Legion）在90年代早期如同人间蒸发般的消失解散。
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[Lo-Fi：低保真音乐]
在80年代末到90年代初的这段时间里，低保真（Lo-Fi）一词不仅是对某张专辑的录音质量的描述而且本身也代表了一种音乐类型。
在摇滚乐的发展历史中，早期由于录音设备的简陋使得唱片在没有质量保证的情况下被快速而便宜地生产出来，因此在某种程度上来说，这些早期的摇滚唱片，如60年代的车库摇滚（Garage）以及70年代末的很多朋克摇滚等，都可以贴上低保真（Lo-Fi）的标签。
然而，低保真（Lo-Fi）渐渐被用来形容那些在家里用四轨录音机来录制音乐的地下独立摇滚乐手（队），这样的音乐大部分出自80年代的美国地下音乐，包括像R.E.M这样的乐队，同时也包括一堆像the Chills和the Clean这样的英国后朋克乐队和新西兰乐队。
通常这些低保真（Lo-Fi）乐队会利用简单的流行和摇滚歌曲或是自由的歌曲结构来达到其音乐中完美的噪音和艺术上的实验主义，即使当这些乐队的作品会保持相对的直接坦率，但是因其音乐录制的低质量、失真以及作品采用倾向于抽象、晦涩的歌词，其结果使得其音乐往往还是很不相同。
最初，这些低保真（Lo-Fi）作品只是以自制的磁带形式进行交易，但是在几个独立音乐厂牌的推动下有所改观，尤其是K Records（由Calvin Johnson经营）旗下的Beat Happening乐队发表了低保真乙烯唱片，同样采取此做法的80年代的几支乐队（如Pussy Galore, Beat Happening, 和Royal Trux）在美国地下音乐圈中获得小部分的追随者。到得1992年，像Sebadoh和Pavement以他们十足噪音和混乱无序的唱片在美国和英国获得了广泛的追随。几年以后，由Liz Phair和Beck对此种音乐进行“改良”后成功地将低保真（Lo-Fi）美学带入主流。
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[Math rock：数字摇滚乐]
Math Rock和后摇滚（Post Rock）有点沾亲带故，更为人熟知的是其作为Indie-Rock风格，它和Indie-Rock有着相近的音乐取向。在Post-Rock有着明显的爵士乐影响的地方，Math Rock则就如同是一枚硬币的反面——它的音乐显得浓厚而复杂，同时充满着艰涩的time signatures和intertwining phrases。而且，这种音乐比后摇滚要更为摇滚一些，因为它通常是由以吉他为主乐器的小乐队演绎。
Math Rock在90年代中期达到顶峰，那时，像Polvo和Chavez这些乐队在大学校园的独立摇滚乐人中有少数专注于这种音乐的追随者。
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[Neo-psychedelia：新迷幻音乐]
新迷幻包括了从朋克乐末期直到现在的一大批乐队，这些乐队的音乐均受到60年代迷幻乐的影响。不论他们的音乐是师从于像Beatles和早期Pink Floyd那样的迷幻流行乐、还是源于Byrds的吉他摇滚、甚或是扭曲的音响实验，这些乐队无一例外地都把迷幻药剂作为一种音乐灵感唤起的源泉，以此创造出不同寻常的声音。
一些新迷幻乐队的确是好吸毒的，而其他的乐队只是将毒品作为他们怪异歌词和出格外表的一种合理的补足。新迷幻音乐时而也能打入主流流行乐圈，如Prince的80年代中期的作品以及Lenny Kravitz的90年代的作品。但是大多数的情况是这些新迷幻乐队活跃在另类（Alternative）和独立摇滚（Indie Rock）圈中。
新迷幻最初是在70年代末英国后朋克运动中出现，那时主要的乐队是the Teardrop Explodes、Echo & the Bunnymen和the Soft Boys。除了80年代早期的Paisley Underground和90年代末期的Elephant 6 collective这样的新迷幻集中运动外，大部分后来的新迷幻乐队都来自于互相孤立的地区，而不是从诸如以上的音乐运动中产生。在这些后来的新迷幻乐队中比较著名的有：音乐空幻梦想的澳大利亚乐队The Church；由Nick Saloman领衔的Bevis Frond，他们把旋律化的诗歌创作和大音量的三重唱结合在一起；低调昏沉、毒雾阴霾的Space 3；诡异离奇的校园摇滚（College Rock）乐队Robyn Hitchcock；全然古怪的Mercury Rev和the Flaming Lips以及折衷的BritPop乐队Super Furry Animals。
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[Noise pop：噪音流行乐]
作为另类/独立摇滚的一个分支，Noise Pop顾名思义就是有一些吉他回馈、音调不谐和声音磨损包装风格的流行音乐。它占据了介于Bubblegum（<美俚>泡泡糖摇滚舞曲）和Avant-Garde（前卫音乐）的中点，是传统流行乐创作手法和略富攻击性的白色噪音（White Noise：用以掩盖令人心烦的杂音）的碰撞结果。
当Noise Pop的旋律飘忽于涡旋吉他所营造的声场中时，其音乐经常会给人一种朦胧、麻醉和催眠的感觉，当然Noise Pop可以是欢快活泼的，也可以是棱角分明、富有挑战性的。
最早期的Noise Pop植根于the Velvet Underground的诸如回馈、失真等音乐实验，然而更被公众认同的Noise Pop起源乐队是美国另类摇滚乐队Sonic Youth和Dinosaur Jr.，是他们将摇滚乐构架与粗重的吉他失真融合在了一起。第一支正规意义上的Noise Pop乐队则是the Jesus & Mary Chain，它以1986年的首张唱片Psychocandy崛起于地下，几乎同一时期还诞生了可以说是最多产和最具生命力的Noise Pop乐队Ya La Tengo，其首张专辑也于此时推出。
在80年代末，Noise Pop引发了英伦的Shoegazing（自赏）运动，自赏音乐更加内省，其旋律更加脆弱。在90年代，Noise Pop仍继续对Indie Rock产生着重要的影响。
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[Nosie rock：噪音摇滚乐]
Noise Rock派生于朋克摇滚，尤其是指那些用令人耳眩纷乱的电吉他声来表达年轻人焦虑和自负的朋克音乐。Noise Rock就像它的前辈“无浪潮”（No Wave）一样，其目的就是要让音乐更加碾磨化并以此达到一种滑稽讽刺效果或是表明一种立场、声明，而其音乐则总是诉诸于纯粹的声响能量。
尽管大部分Noise Rock乐队的音乐注意力是集中在由电吉他失真所产生的脱粒般的声响（有时这些乐队也会使用一些电子仪器来作为打击乐器或是增强音乐整体的不谐和），但仍有部分乐队更加关注于声响和歌曲结构的融合，如先驱乐队Sonic Youth当把音乐的富于旋律和其单调低沉的噪音相结合时，无疑将Noise Rock带入了更为宽广的另类音乐听众中。
Sonic Youth带来了一群模仿者，但这其中并不是所有的乐队音乐都像它，如80年代的The Swan和Big Black的音乐就有更为黑暗、阴森的倾向，而当时的Touch&Go厂牌在80年代末成为这种风格的音乐的中心；再如90年代Noise Rock衍生出一些戏剧性的分支类型，这些分支经常会被诸如“邋遢摇滚”（scuzz-rock）这样的词汇所形容，这种风格的音乐是用吉他噪音营造出一种肮脏、颓废、令人厌恶的声场（如Royal Trux, Pussy Galore, the Dwarves和 the Butthole Surfers）。
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[Neo-glam：新华丽摇滚乐]
Neo-glam并不是用来形容80年代hair-metal乐队的一个词，更多地或更确切地说，它是Britpop的一个分支，和Britpop运动本身一样，Neo-glam也是由Suede所引领而起。Suede确立起neo-glam这种风格的方式有：随着表演而跺脚的摇滚乐手、David Bowie那种包罗万象的流行歌曲并将它们与Morrissey的内省浪漫主义相结合，所有这些融合在一起很自然地表现为一种基于男性上的两性“畸形”。步Suede后尘的那些Britpop乐队也注意到了汲取这种英伦影响下的精粹，但只有少部分乐队进行了特别地浓缩，从而回复了些许的70年代Glam那种极度流行色彩的味道，这些乐队包括the Auteurs、Nancy Boy、Placebo以及Spacehog。neo-glam音乐现象绝大部分局限于英国，尽管后来的Spacehog在美国听众中的确也有小小的突破。
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[Pop underground：地下流行乐]
Pop Underground实际上就是Power Pop。70年代至80年代早期是Power Pop这种音乐类型的黄金时期，Pop Underground便是Power Pop黄金时期过后的另一种称呼而已，因此现今的Pop Underground音乐仍然是以Power-Pop的音乐特色而著称－由不列颠入侵（British Invasion）所带来的美妙旋律与合声、响亮而赋予强健的吉他声色。然而由于Pop Underground所要延续的音乐形式从一开始便就已经是极具经典性的，因此可以想见，此类音乐艺人需要做些创新才行－如用当今的音乐手法不断更新其音乐创作形式，或者尽己之最大能力在原有音乐创作形式上再创新。最主要的Pop Underground艺人和乐队：Matthew Sweet, Teenage Fanclub, the Posies, Jellyfish, Material Issue, Jason Falkner, the Velvet Crush，这些乐队不论是通过他们大声嘎扎的吉他（尤其是Matthew Sweet）还是那种富于睿智而优美的歌词，在另类摇滚乐听众中都有着广泛的追随者。然而，Pop Underground中也有部分艺人和乐队不予投合那些学院听众而仍然继续录制原本风格的Power-Pop作品，这些艺人们的作品一般也就是复制最初的那些Power Pop明星（Badfinger、Big Star和the Raspberries等）的音乐，为的是迎合一小部分偏激狂热的听众。
注：地下流行乐似乎更加有着一种历史的痕迹，上面还提到了Power Pop，如今的这种音乐早已经迈过了主流的门槛了，所以，上面的风格注解可能只是当时某段音乐历史下的情况，而现今的地下流行乐到底是怎样的一种景观以及有何新的发展，这些有待我们进一步去发现。
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[Post rock/Experimental：后摇滚实验音乐]
在90年代兴起的深受电声器乐摇滚影响的实验摇滚运动中，后摇滚无疑是占有统治地位的音乐类型。后摇滚音乐中集结了一大堆实验流派－Krauft-Rock、氛围音乐（Ambient）、激进摇滚（Progressive Rock）、Space Rock、Math Rock、Tape Music、简约古典（Minimalist Classical）、British IDM, Jazz (both Avant-Garde and Cool), 和 Dub Reggae，一句话简言之就是：音乐大部分架构在摇滚音乐上，但是它实质上不是摇滚音乐。
后摇滚给听众的音乐感受是与传统意义上的摇滚乐激励情感是完全相反的，它的音乐富于使人催眠和声响低沉单调（尤见于一些以吉他为主的乐队），即使相对亮色的音乐也使人感到镇定和醒脑。之所以如此是因为后摇滚当初就是反对摇滚的一种回应，尤其是当主流乐界对另类音乐的同化后更加如此，很多后摇滚乐队是在一个相同的意识下建立起来的，这种意识就是：摇滚乐已经丧失了自身的真正的反叛意识，并且很难从自身的陈旧模式和空洞姿态的窠穴中自拔。所以后摇滚拒绝一切与传统摇滚乐相关的东西。
后摇滚音乐着力于纯粹声响和音色远甚于对旋律和歌曲结构的沉迷，其大部分作品倾向于器乐，即使作品中有人声出现，也仅仅是作为整体音乐效果的一种附属。
后摇滚音乐基架的建立是在1991年两部竭然不同的里程碑作品的发表：Talk Talk乐队的《Laughing Stock》和Slint乐队的《Spiderland》。《Laughing Stock》是Talk Talk乐队从合成器流行乐转型后的顶峰之作，其音乐是对情境音乐（Ambient）、爵士乐（Jazz）以及简约室内乐（Minimalist Chamber Music）进行情绪化的、精巧的融合；而《Spiderland》的音乐则是充满深思的、bass-driven grooves、喃喃的诗化歌词、晦涩的结构以及极度的音量切换。这两部作品对很多后来的后摇滚乐队都产生过影响。
后摇滚一词则是由评论家所创造的。Post Rock一词最初是由Simon Reynolds在描述Bark Psychosis受到Talk Talk乐队影响的氛围音乐实验时使用，结果该词被应用于称呼那些不曾归类的从勇于打破既定传统的乐队（如Gastr del Sol, Cul de Sac, Main）到像Stereolab, Laika和the Sea and Cake这样的Indie Rock乐队（注：这其中不包括Slint乐队的仿效者）。后摇滚被公众承认是在来自芝加哥的Tortoise乐队1996年发表的第二张专辑《Millions Now Living Will Never Die》之后，这部作品也许是后摇滚各种实验元素所达到的最极至的融合。这样，后摇滚瞬间就为评论界提供了区分各种此类型下不同乐队（艺人）及其前辈们的方法，之后后摇滚迅速成为了同时代的独立摇滚（Indie Rock）的堂兄弟，集中在Thrill Jockey, Kranky, Drag City, 和Too Pure这些厂牌之下。
具有讽刺意味的是在90年代末，后摇滚获得了千篇一律的名声，一些人发现这种音乐缺乏感情令人生厌，另一些人认为后摇滚已经没有了当初的激进融合而变得众所周知，这其中部分原因应归咎于许多后摇滚乐队在他们的最初音乐理念上甚少变化。然而即使在这种倒退的情况下，新一轮的乐队（the Dirty Three, Rachel's, Godspeed You Black Emperor!, Sigur Ros）以其独特的声音获得了较为广泛的赞许，暗示着后摇滚这种音乐类型毕竟还未走到尽头。
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[Riot Grrrl：女权朋克乐,女权摇滚乐]
90年代早期Indie Rock运动出现了宣扬女权主义的朋克音乐，而Riot Grrrl则是它的一个直言不讳、颇具煽动性的分支，在当初的运动开始谈出后，Riot Grrrl所激发的一种亚文化却能够延续至今。
Riot Grrrl这种音乐实际上是个人的精神宣泄和政治的激进主义的混合，尽管其中大多数的音乐关注都源于后者。很多（但非全部）Riot Grrrl音乐的歌词都涉及与性相关的内容－强奸、家庭虐待、性生活（包括女同性恋）、社会阶层等级上的男权统治和女权运动（从一种激进的、好战的角度来看），与此类似的，其相应的音乐也倾向于在只有单一的基本旋律或是乐器演奏技巧之下制造出狂怒固执的非专业级的噪音喧嚣。Riot Grrrl音乐所具的磨蚀性出于几方面的意图：它保证了这种非合作态度的音乐永不能达到像另类摇滚音乐过渡主流的成功（发行Riot Grrrl音乐唱片最多的厂牌就叫做Kill Rock Stars）；它向女人（和女性音乐家）一直是温顺的、过渡敏感的和颇具相思情的老套形象发起挑战；它找到了在噪声之下的一种强力的、极具表现力的工具。
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[Shibuya-kei：暂无]
Shibuya-Kei是对日本流行音乐现象的称呼，这种音乐爆发于东京西部的极具时尚的Shibuya购物区，这个地区可以说是汇集了世界上一些最时尚的货源充足的唱片店和服装店。
如果照字面意义去了解Shibuya-kei，那么Shibuya风格是指那些从消费文化中涌现出来的志趣相投的流行音乐艺人，这些年轻的日本人都是在西方流行乐不断输出下的令人惊讶的折中主义文化中成长起来的，其结果就是影像和声幻的空前碰撞，其中出现的带头团体Pizzicato 5的音乐就体现了从Burt Bacharach的奢华驰放音乐到城市Hip Hop乐的活力节奏对其产生的全然不同的影响。如果从这种音乐的外在来看，Shibuya-Kei是从现代东方社会景镜中折射成的一流的西方流行乐，其音乐中蕴含了很多的剪切、粘贴技巧，并用新式的令人激赏的方式作出全新的作品。
Shibuya-Kei也是一种非常可爱的流行音乐：其音乐视角往往是那些女子组合所从未停止关注的生活甜蜜和天性直率，这种视角随时代的前进而不断发展，但是它从未脱离于自身的真实。
贯穿并普遍深入在日本文化的复杂的性元素对这种音乐也有许多启迪，并且音乐中的年轻的天真一直就是其令人钟爱的关键因素。
注：在把握Shibuya-kei这种音乐的时候，有些地方需要注意到。Shibuya-kei是和日本相关的，但是日本的独立流行乐并非只有Shibuya-kei这一种，事实上，你可以发现日本也有很多的Indie Pop（独立流行乐），有些乐友会把整个日系的独立流行乐按照集中的地点分为诸如“涩古系”（其中涩古应是一地名）等等；Shibuya-kei音乐的首要一大特点便是它所具有的时尚气息（上面已经提到了，它的产生背景是在消费文化之中的），所以，当你觉得你耳中的日本音乐有着一种时尚但决不媚俗的气质时，那么它就可能是这种Shibuya-kei音乐了；Shibuya-kei音乐有时会表现出很有实验的味道（采用了很多电子的简切、拼贴技巧），但是这种实验的味道一般不会强于前面的时尚气息，因此，这种实验大多情况下只是具有一种新奇的感觉；最后是要说的是，天真的气质，Shibuya-kei音乐中经常会有那种可爱的小女声，有时，其甜蜜程度将会大大地出乎你的意料。
对多数Riot Grrrl乐队来说，拿起吉他并作出狂欢似的纷乱尖叫声响不仅仅是出于娱乐，更多地是一种解放的表现。对于门外汉们，Riot Grrrl的音乐价值可能是高度捉摸不定的，但是对于那些乐迷们来说，这种音乐所代表的东西远比音乐本身来得更加重要（这是可以证实的）。
Riot Grrrl运动大都集中在西雅图、华盛顿区的奥林匹亚；几个例外包括了英国的Huggy Bear，也包括了像Babes In Toyland和L7这样的几支Grunge乐队，这些乐队符合Riot Grrrl音乐的精神，但是在意识形态上却与这种音乐无关。这次运动主要地植根于朋克的DIY精神和抗议的传统，但是从直接触发这场运动的角度看，Joan Jett无疑是以其简单形式、朋克风格的硬摇滚、自信的sexuality和独立的商业意识在其中扮演了诸多角色。Riot Grrrl音乐的出现正值女性在另类摇滚乐中大展才能之时，因此结果这个词经常被误用在那些其实更加接近另类摇滚的音乐现象的媒体统计中，而且诸如Hole和PJ Harvey这些另类摇滚乐队（手）也被当作为Riot Grrrl乐队（手）。其实真正的Riot Grrrl乐队是：Bratmobile、7 Years Bitch、同性恋乐队Team Dresch和居于整个Riot Grrrl中心的Kathleen Hanna领衔的Bikini Kill，这些乐队无一得到过普遍的接受。由于多数Riot Grrrl乐队并不多产，因此运动初期的那种激情闪现在几年后便消失了，但是Riot Grrrl在独立文化领域中却一直保持着持续的影响力，起初的那些乐队激发了无数的女权运动者们，并且这些乐队是被看作是一种象征和典范。
Kathleen Hanna继续和不同的音乐人合作录制唱片，同时，老将Sleater-Kinney乐队在几年后颇受争议地成为受尊敬的Indie Stars，这得归功于是他们的能力将Riot Grrrl的激情和理念融入到他们的歌曲和错综复杂的乐器演奏技巧中。
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[Slowcore：慢核音乐]
Slowcore实在是以其音乐缓如蜗牛的速度而著称，音乐的旋律与节奏始终给人一种游离、徘徊、缓慢推进的感觉，所有这些还都被乐器营造的厚重、昏暗的声场所笼罩。尽管Slowcore有时会与类同的Sadcore纠缠不清，但是基本上Slowcore的音乐更加注重音乐多于抒情。
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[Shoegazing：自赏派音乐]
自赏（Shoegazing）是指80年代末90年代初的英伦独立音乐的一个流派，之所以叫做自赏是源于这些乐队的一动不动的舞台表演风格，当这些乐队在舞台上表演时只盯着舞台地板就好比一直盯着自己的鞋子，Shoegazing即自此而得名。
但是千万不要以为自赏就仅仅是从视觉角度进行的定义，它之所以代表一种音乐类型是特指这种音乐的纯粹声响。这种音乐往往带给你的是不可抗拒的喧吵并伴随着长时间低沉单调的吉他回复、扭曲失真的声波和一系列吉他回馈的层叠，人声和旋律消弥于吉他声墙中，营造出一种你完全分辨不出各种乐器音色的音乐冲击。
大部分的自赏乐队的音乐都以My Blood Valentine乐队音乐为模板，My Blood Valetine曾以早期的Ep和第一张专辑《Isn’t Anything》确立了Shoegazing的基本音乐模式，其他诸如Dinosaur Jr., the Jesus & Mary Chain, 和 the Cocteau Twins这些乐队也对此种音乐有主要影响。后来跟进的乐队，像大家熟知的Ride、Lush、Chapterhouse和the Boo Radleys都在固有的音乐模式下加入了自己的特色，如Ride就加入了60年代迷幻乐元素，而Lush则结合了介于流行乐和Cocteau Twins似的梦幻流行乐（Dream Pop）之间的音乐元素。
没有一支自赏乐队是做动态表演的，而且对媒体采访也不感兴趣，正因这些阻止了这些英国乐队进入重要的美国市场。在这些乐队占据英国音乐媒体和排行榜达3年之久后的1992年，经过美国的Grunge和本国由Suede乐队始作俑者的Britpop这两次浪潮，自赏乐队不再被公众给予关注，有些乐队（如Chapterhouse、Ride）几年内便宣告解散，而另外一些乐队（如the Boo Radleys和Lush）则与时俱进得以延续至今。
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[Space rock：太空摇滚乐,空幻摇滚乐]
Space Rock这个词最早得追溯到70年代，那时是用来形容那些有着太空幻游味道的像Pink Floyd和Hawkwind这样的乐队。然而如今Space Rock是指新一代的另类/独立乐队，这些乐队从迷幻摇滚、环境（氛围）音乐中吸取音乐养分，而且经常还会受到实验和前卫音乐的影响。
Space Rock是那种几乎总是缓慢、催眠和非现实的；它尤其喜欢在传统歌曲结构上进行冗长、扰乱心绪的声响探险；它的人声有时就如同是闪烁器乐质地的附着。
有些Space Rock乐队确实是以毒品来促发灵感，以此来给这种音乐带来令人麻醉的风格效果：沉重地混响的吉他声浪、极简的打击乐以及轻微的没精打采的人声。Space Rock的最显然的前辈当属Prog-Rock，但是在其后的发展中，它也从Krautrock、古典简约和The Jesus & Mary Chain风格的Noise Pop中吸取过灵感。
最初的第一支Space Rock乐队是英国的极度低沉的极简主义团体Spacemen 3，它的臭名昭著的“Taking Drugs To Make Music To Take Drugs To”信条影响了随其后来的大多数乐队。在参与到英国的Shoegazer运动中的有些乐队是和Spaced Rock是有关系的，尤其是The Verve的早期作品，还有大多数的实验团体（如My Bloody Valentine）影响了Space Rock的复兴。
1991年，Spacemen 3分裂为两个团体：Spectrum和Spiritualized，后者背离了原来乐队的音乐取向，并将Space Rock的声音充实到奢华、亲切有着管弦乐编曲的作品中，这使得Spiritualized成为这种音乐风格的最流行的团体。在接下来的多数Space Rock艺人或团体要么是极简取向，要么反之，偶尔也会混合进Post-Rock（Flying Saucer Attack、Godspeed You Black Emperor！）和Indie Pop（Quickspace）的音乐元素。
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[Singer/songwriter：唱作人]
尽管许多歌手，包括早期的摇滚歌手像Chuck Berry、Buddy Holly会唱他们自己的歌，但singer/songwriter这个词指的却是那些追随Bob Dylan的表演者们。早期大多singer/songwriter表演时只用一把木吉它或一架钢琴。尽管他们的歌词总会用一些隐喻的手法来遮罩最真实的思想，或是营造一种朦朦胧胧的氛围，但字里行间却充满了人性化的色彩。Singer/songwriters的创作主要汲自民谣和乡村，不过有些歌手如Randy Newman and Carole King会融合一些Tin Pan Alley pop的手法。所有singer/songwriter主要关注的是歌曲本身，而非表演。大多的singer/songwriter唱片有一些共通之处――简洁、直白并发人深思，更强调歌曲本身内在的东西。James Taylor, Jackson Browne, 及Joni Mitchell是70年代 singer/songwriters的杰出代表，大多的singer/songwriters依照他或Dylan的风格去发展。70年代是Singer/songwriters的全盛时期，之后便渐渐退出流行大潮，但他们从未消失――0年代晚期，Rickie Lee Jones和Joan Armatrading 纵横流行界，还有80年代的Suzanne Vega 、acy Chapman亦是如此，很多Singer/songwriters像John Gorka and Bill Morrissey 通过发行一系列独立唱片来维持这一传统。
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[Twee pop：童稚流行乐]
Twee Pop可能最适合被比作泡泡糖独立摇滚乐——它的音乐有着DIY的精神，但是又蔑视朋克乐的传统惯例，然而它有着一种自摇滚乐诞生之日起就未曾予听到的直率天真的特质。
Twee Pop的产生要追溯到1986年，当年英国周刊NME出版了一盘被称为C-86的磁带，这盘磁带中包括了如下的乐队：McCarthy、The Wedding Present、Primal Scream、The Pastels和the Bodines，这些乐队都受到了the Smiths乐队的噪音吉他流行乐、the Ramones的三和弦的影响，在音乐情感上则吸收了女子组合中的那种怀旧而甜蜜的忧愁。C-86后来又被英国音乐媒体称为“Anorak Pop”和“Shambling”，它本身作为一场音乐运动是短暂的，但是它影响了后来的大洋两岸的大批乐队，这些乐队专注于音乐上的直率、真诚，并且也取得了不错的成绩，这也使得Twee Pop成为了世界性的音乐标签，此时这种音乐的特点包括：男女和声、寄情相思的歌词、颇具感染力的旋律和简单不矫揉造作的演奏。
在英国，Twee Pop的中心许多年以来直到现今仍是具有传奇色彩的Sarah厂牌，旗下的乐队包括the Field Mice、Heavenly和the Orchids；在Sarah被转让后，它的创始人又建立了新的厂牌Shinkansen。在美国，Twee Pop集中在华盛顿区的奥林匹亚，那里是K厂牌的所在地，这个厂牌是由Beat Happening乐队的Calvin Johnson所拥有。
注：Twee Pop的直率天真的特质集中会体现在作品中的人声，其次才会反映到器乐的应用。很多时候，典型的Twee Pop音乐作品就是简单的略显噪色的吉它再配上娇滴可爱的人声。当以上两者都不太具备或突出之时，那么使成为Twee Pop音乐的因素则会是它的编曲了。
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